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Siobhan
Stagg

Soprano

Bio

Maria-Elisabeth
Lott

Violino

Bio

Hrachya
Avanesyan

Violino

Bio

Jack
Liebeck

Violino

Bio

Tamila
Kharambura

Violino

Bio

Hiyoli
Togawa

Viola

Bio

Paul
Tulloch

Viola

Bio

Shenghan
Gao

Violoncelo

Bio

Sevak
Avanesyan

Violoncelo

Bio

Kyril
Zlotnikov

Violoncelo

Bio

Anna
Ulaieva

Piano

Bio

Matan
Porat

Piano

Bio

Candidaturas para a Masterclass '26 estão agora abertas!

António Pinho Vargas

Compositor em Foco

Biografia

Sobre o festival

Founded in 2017, the Hortênsia Music Festival (HMF) is an annual celebration of classical music in the UNESCO World Heritage city of Angra do Heroísmo, on Terceira Island in the Azores. Each summer, the festival brings renowned Portuguese and international musicians to the island for a dynamic programme of chamber music concerts, masterclasses, workshops, and outreach initiatives.

Centered on performance, pedagogy, and community, HMF was created to share artistic experience across generations and to open meaningful cultural encounters in the Azores. The festival is founded on the belief that artistic excellence flourishes most powerfully when guided by inclusivity and offered as an open and meaningful part of a community’s cultural life.

Through masterclasses and other learning opportunities, young musicians are able to work closely with experienced artists, gain new perspectives, and develop their musical voice in an inspiring and supportive environment. Initiatives such as Incentivo Artístico Açores further strengthen the connection between local talent and visiting performers, fostering exchange, encouragement, and growth.

Surrounded by the extraordinary landscape of the Azores and shaped by the character of Angra do Heroísmo, Hortênsia Music Festival offers an experience where music, heritage, and community are closely intertwined, contributing to the cultural life of the region and affirming the city as a vibrant meeting point for artistic dialogue and discovery.

Masterclasses

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Inscrições

Concertos

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“Que bom é poder trabalhar e evoluir a nível musical e profissional nesta ilha inspiradora e com tanta história e beleza!”

“Obrigada aos músicos de nível mundial pelos três fantásticos recitais! Senti-me mimada com tanta música de câmara!”

“…deleite para os sentidos a cada nota”

“Adoro o violino! Adorei a experiência, gostaria de repetir! Obrigada aos professores!”

"Parece que fomos transportados a uma capital musical como Viena ou Nova Iorque"

“Obrigado por estes dias cheios de boas memórias e acima de tudo de muita música!”

“Foi uma experiência incrível! Adorei as aulas de violino e música de câmara!”

“Obrigado por plantarem a semente do conhecimento e da música no coração das crianças”

Bem-vindos ao HMF

We are grateful and excited to be presenting in 2026 the 8th edition of Hortênsia Music Festival. Since 2017, the festival has brought together musicians, students, and audiences in a shared spirit of music, learning, and exchange. The support of the community of Angra do Heroísmo has made this possible, and continues to be a vital part of the festival’s life.

The 8th edition carries a particular sense of energy. Under the theme Erupção Musical / Musical Eruption, celebrating the volcanic origins of the Azores, we embrace ideas of transformation, intensity, and creative vitality, shaping a programme marked by bold contrasts, discovery, and expressive force. 

We are especially proud to present the world premiere of a newly commissioned chamber work by António Pinho Vargas, our Composer in Focus for this edition, and excited to welcome a number of distinguished artists joining HMF for their first appearance, including the globally acclaimed soprano Siobhan Stagg, and outstanding string players Maria-Elisabeth Lott, Kyril Zlotnikov, Jack Liebeck, Hiyoli Togawa and Shenghan Gao. Their presence, together with some of our most cherished returning artists — pianists Matan Porat and Anna Ulaieva, and the brothers Hrachya and Sevak Avanesyan — gives this edition a particularly special sense of richness and anticipation.

What continues to matter most to us is the spirit in which it all takes place — a spirit of curiosity, collaboration, and shared discovery. It is a joy to see the festival continue to grow in this way, and a privilege to share it with such an engaged and generous community.

To all who make the festival possible, a heartfelt thanks.
We look forward to welcoming you all to Hortênsia Music Festival 2026.

Tamila Kharambura & Paul Tulloch
Fundadores & Diretores Artísticos

Siobhan Stagg

A soprano Siobhan Stagg é uma das artistas mais notáveis a emergir da Austrália nos últimos anos. Christa Ludwig descreveu a sua voz como “uma das mais belas que alguma vez ouvi.”

Licenciada pela Universidade de Melbourne, Siobhan iniciou a sua carreira como Jovem Artista no Festival de Salzburgo (2013) e na Deutsche Oper Berlin (2013 – 2015). À medida que o reconhecimento do seu talento se espalhava, rapidamente foi convidada para importantes estreias na Hamburg State Opera, Berliner Philharmoniker, Bayerische Staatsoper, Grand Théâtre de Genève, Dutch National Opera (Amesterdão), BBC Proms e Royal Opera House Covent Garden, em Londres, entre outras.

A sua estreia no palco principal do Covent Garden, como Pamina em Die Zauberflöte na Royal Opera House de Londres, foi calorosamente aclamada: “O melhor de tudo foi Siobhan Stagg”… “uma atuação gloriosa”… “A jovem australiana é a próxima grande revelação.”

No início deste ano, Siobhan recebeu elogios pela sua “extraordinária estreia nos EUA” no papel principal de Cendrillon(Cinderela) de Massenet, na Lyric Opera of Chicago, com a crítica a destacar a sua “voz absolutamente deslumbrante e poderosa, aliada a uma presença em palco inegavelmente magnética.”

Na mesma temporada, fez uma estreia operática “triunfante” na Austrália como Mélisande em Pelléas et Mélisande, para a Victorian Opera, conquista que lhe valeu o Green Room Award 2019 de Melhor Interpretação Feminina Principal em Ópera. “Não é comum surgir uma soprano com a capacidade de cantar tanto com um frisson arrebatador como com total serenidade… A Mélisande de Siobhan Stagg foi transcendente.”

Após seis anos como solista principal na Deutsche Oper Berlin, Siobhan regressa em 2019/20 como convidada, interpretando Tytania na estreia berlinense da encenação de Ted Huffman de A Midsummer Night’s Dream, de Benjamin Britten. Em 2019, é Artista Associada de Asher Fisch e da West Australian Symphony Orchestra em Perth. Outros destaques incluem Mélisande na Opéra de Dijon, Sophie em Der Rosenkavalier no Opernhaus Zürich com Fabio Luisi, o regresso ao Festival de Salzburgo para as Matinées Mozart e a estreia no Festival de Aix-en-Provence na encenação eufórica de Romeo Castellucci do Requiem de Mozart (transmitido pela Arte).

Maria-Elisabeth Lott

Maria-Elisabeth Lott é reconhecida internacionalmente como uma das melhores violinistas alemãs da sua geração, entusiasmando o público com a sua natural e intensa musicalidade, aliada a uma técnica absolutamente impecável. Desde a sua estreia nos EUA, aos treze anos, atuou com muitas das mais célebres orquestras do mundo, como a London Philharmonic Orchestra, Dallas Symphony Orchestra, Residentie Orkest de Haia, Singapore Symphony Orchestra, China National Orchestra, BBC Manchester Symphony Orchestra, e colaborou com maestros de grande renome, incluindo Fabio Luisi, Jaap van Zweden, Mario Venzago, John Nelson, Kirill Petrenko, Jonathan Nott e Daniel Harding.

Além da sua carreira como solista, Maria-Elisabeth Lott é também conhecida como uma dedicada intérprete de música de câmara, participando regularmente nos mais importantes festivais internacionais de música de câmara. Entre os seus parceiros de câmara estão Emanuel Borok, Sontraud Speidel, Dmitry Sitkovetsky, Christianne Stotijn, Reinhold Friedrich, Julien Quentin e Bobby McFerrin.

Ao longo da sua carreira, Maria-Elisabeth Lott recebeu prémios prestigiados, incluindo a Bolsa de Cultura de Karlsruhe em 2014 e o Prémio Bruno-Frey em 2013. Foi premiada com o primeiro Prémio de Música Lichtenberger da Fundação Herfried Apel, o Musikförderpreis do Kulturfonds Baden, e recebeu o "Prix d'Espoir" da Fundação Europeia para a Cultura. Maria- Elisabeth Lott já atuou ao vivo para várias estações de rádio e televisão por toda a Europa, incluindo ARD, ZDF, Deutschlandradio Kultur, 3sat, SWR, BBC, Rádio Suíça, e para estações de rádio nos EUA e Canadá.

Em 1998, venceu o concurso do Mozarteum de Salzburgo para tocar no violino juvenil de Mozart. Com esse violino, fez a sua gravação de estreia para a EMI Classics, colaborando com a Orquestra Mozarteum de Salzburgo e Sontraud Speidel em obras de Mozart.

Com apenas quatro anos, Maria-Elisabeth Lott iniciou os seus estudos musicais com o Prof. Josef Rissin e, apenas quatro anos depois, ingressou na Universidade de Música de Karlsruhe como jovem estudante.

Após concluir os graus de Licenciatura, Mestrado e Exame de Solista, graduou-se com a mais alta distinção em 2015.

Desde abril de 2017, é professora de violino na Universidade de Música de Detmold, Alemanha.

Hrachya Avanesyan

Aclamado como um "músico sensível e altamente qualificado, com nuances expressivas" (Gramophone Magazine) e um "solista com poder apaixonado, sentimento e tom doce" (Frankfurter Allgemeine), Hrachya Avanesyan garantiu o seu lugar como um excelente violinista com os primeiros prémios em prestigiosos concursos como Yehudi Menuhin e Carl Nielsen.

Avanesyan actuou com orquestras de renome como a Filarmónica de Copenhaga, a Orquestra Sinfónica Nacional Dinamarquesa, a Orquestra Nacional Belga, a Orquestra Nacional da BBC do País de Gales, a Orquestra de Chambre de Pelléas, a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Nacional de Lille, Sinfonia Varsóvia, a Filarmónica de Varsóvia, a Orquestra Sinfónica de Aarhus, a Filarmónica de Liège, a Filarmónica de Belgrado, a Filarmónica Arthur Rubinstein, a Orquestra Estatal da Filarmónica do Reno, a Filarmónica de Bruxelas, a Filarmónica Real Flamenga, a Sinfónica de Tóquio e a Orquestra Sinfónica Metropolitana de Tóquio. Estas colaborações foram lideradas por maestros de renome como Eliahu Inbal, Marc Soustrot, Walter Weller, Lan Shui, Christopher Warren-Green, Joji Hattori, Paul Goodwin, Paul Watkins, Joana Carneiro, Alexander Vedernikov, Joshua Weilerstein, Patrick Davin e Daniel Raiskin.

Avanesyan tem-se apresentado em salas de concerto famosas, como o Concertgebouw de Amsterdão, o Wigmore Hall de Londres, a Salle Gaveau e o Théatre des Champs Elysées em Paris, o Suntory Hall em Tóquio, o Grande Salão do Kremlin de Moscovo, o Danish Radio Concert Hall em Copenhaga, o Auditório Nacional de Madrid e Palais des Beaux-Arts de Bruxelas. Apresentações memoráveis incluem uma aparição conjunta com Joshua Bell e Maxim Vengerov no St. David's Hall em Cardiff, atuações com Ashley Wass no Wigmore Hall e colaborações com Maria João Pires, Maxim Rysanov, Andreas Brantelid, Alexander Chaushian, Lise de la Salle, Marianna Shirinyan , Lily Maisky, Natalia Gutman, Narek Hakhnazaryan e muitos outros em festivais como Montpellier, Menton, o Festival de Música de Estrasburgo em Memória de Yehudi Menuhin, Al Bustan e o Festival de Verão de Copenhaga.

A notável discografia de Avanesyan inclui a sua gravação de estreia do Concerto para violino no 2 de Vieuxtemps, lançado numa caixa abrangente de concertos de Vieuxtemps com a Orquestra Filarmónica de Liège e Patrick Davin. O seu aclamado álbum de música de Dvorák, gravado com Sinfonia Varsóvia e Augustin Dumay, também foi muito elogiado. Em 2017, o seu CD de obras-primas de R. Schumann e J. Brahms, gravado com Boris Brovtsyn, Diemut Poppen, Alexander Chaushian e Yevgeny Sudbin, foi lançado pela editora BIS e foi nomeado gravação da lista A do iTunes e Melhor Gravação de Música de Câmara do Ano da BBC. Em 2018, um vídeo do seu concerto com Maria João Pires foi lançado no Imagine Clarity e atingiu milhões de visualizações na plataforma.

Nascido na Arménia, Hrachya mudou-se para a Bélgica aos 17 anos e estudou no Conservatório Real de Bruxelas sob a direção de Igor Oistrakh. Continuou a sua formação no Queen Elisabeth College of Music com Augustin Dumay e na Cologne Hochschule com Mihaela Martin. Durante os seus estudos no Queen Elisabeth College of Music, também aperfeiçoou as suas habilidades em música de câmara sob a direção do estimado Artemis Quartet.

Avanesyan toca um notável violino J. B. Vuillaume de 1864, que realça a beleza e a profundidade das suas apresentações. Com o seu extraordinário talento e paixão, Hrachya Avanesyan cativa o público em todo o mundo e contribui para a sua reputação cada vez maior como um dos violinistas mais importantes da sua geração.

Jack Liebeck

O violinista britânico-alemão, diretor e diretor de festival Jack Liebeck possui uma “mestria técnica impecável” e um “tom prateado cativante” (BBC Music Magazine). Jack é o primeiro Professor Émile Sauret de Violino da Royal Academy of Music e, desde 2021, é Diretor Artístico do Australian Festival of Chamber Music.

Jack colaborou com muitas das principais orquestras, maestros e músicos de câmara do mundo nos 30 anos que se seguiram à sua estreia com a Hallé Orchestra. Trabalhou com importantes maestros internacionais, incluindo Sakari Oramo, Andrew Litton, Jaime Martin, Leonard Slatkin, Karl-Heinz Steffens, Sir Mark Elder, Vasily Petrenko, Brett Dean, Daniel Harding, Jukka-Pekka Saraste, David Robertson, Jakub Hrůša, Jac van Steen e Santtu-Matias Rouvali. Entre as muitas orquestras com que colaborou em todo o mundo contam-se a Orquestra Nacional da Bélgica, a Swedish Radio Symphony Orchestra, a Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, a Oslo Philharmonic, a Indianapolis Symphony Orchestra, a St Louis Symphony Orchestra, a Queensland Symphony Orchestra, a Moscow State Symphony Orchestra, a Orquestra Sinfónica de Galicia e todas as orquestras do Reino Unido.

O som expressivo de Jack, o seu virtuosismo, curiosidade e paixão pela curadoria criativa e por colaborações entre a Ciência e as Artes conduziram a muitas atuações de câmara notáveis, bem como a encomendas escritas para si. Entre estas incluem-se uma nova obra de Deborah Pritchard para Jack e VOCES8, e dois concertos criados para Jack com o seu colaborador regular, o Professor Brian Cox: Voyager Violin Concerto, de Dario Marianelli, e A Brief History of Time, de Paul Dean, encomendado pela Melbourne Symphony Orchestra em comemoração do Professor Stephen Hawking.

Em concerto e em gravação, os seus colaboradores incluem nomes como VOCES8, Sheku Kanneh-Mason, Carolyn Sampson, Sasha Sitkovetsky, Roderick Williams, Mary Bevan, Nicky Spence, Lawrence Power, Renaud e Gautier Capuçon, Michael Collins, Julian Bliss, Angela Hewitt e Jean-Yves Thibaudet.

Jack é muito solicitado enquanto artista de gravação, tendo participado em bandas sonoras de filmes como Jane Eyre, Anna Karenina e The Theory of Everything. Os seus álbuns recentes abrangem os Concertos de Brahms e Schoenberg com a BBC Symphony Orchestra; o Concerto de Barber com a Royal Philharmonic Orchestra; o Duplo Concerto de Malcolm Arnold com Alexander Sitkovetsky; The Lark Ascending, de Vaughan Williams; To Sing of Love, de Taylor Scott Davis, com o coro e orquestra VOCES8; o Concerto Accademico, de Vaughan Williams; e as Seis Sonatas de Ysaÿe pela Orchid Classics. Sobre esta última gravação, The Times escreveu: “em todas as faixas, Liebeck destaca-se ao captar a fúria, a poesia, a loucura e o brilho da música assombrosa de Ysaÿe. Este é um lançamento excecional” — atribuindo-lhe cinco estrelas.

O extenso catálogo discográfico de Jack inclui ainda a integral das obras para violino e orquestra de Bruch, uma compilação dedicada a Kreisler pela Hyperion, e uma gravação vencedora de um Brit Award do Concerto de Dvořák com a Royal Scottish National Orchestra, pela Sony Classics. A sua gravação de Schoenberg e Brahms com a BBC Symphony Orchestra foi escolhida como Editor’s Choice pela Gramophone e como “Recording of the Month” pela BBC Music Magazine, sendo também a sua “Recommended Recording” para o Concerto para Violino de Brahms. Jack Liebeck é representado mundialmente pela Percius.

Tamila Kharambura

A violinista Tamila Kharambura nasceu em Lviv, na Ucrânia, e mudou-se com a família aos cinco anos para Portugal. Apresenta-se regularmente a solo com diversas orquestras em Portugal e no seu país natal, em recitais e concertos de música de câmara em vários países da Europa, e tem colaborado frequentemente com várias orquestras como a Wiener KammerOrchester, a Volksoper Wien, a Orquestra Gulbenkian, a Netherlands Philharmonic Orchestra e a Gürzenich Orchester-Köln.

Entre 2016 e 2022 foi professora convidada de violino na Escola Superior de Música de Lisboa (ESML). Possuindo uma paixão pela educação e pelo trabalho pedagógico, co-fundou e é diretora desde 2017 do HortênsiaMusic Festival, um festival anual de música clássica que decorre na ilha Terceira, nos Açores.

Tamila estudou com a sua mãe Elena Kharambura, com Gareguin Aroutiounian, Pavel Vernikov, Vesna Stanovic-Moffatt e Albena Danailova. Foi bolseira da Fundação Medeiros e Almeida e da Fundação Calouste Gulbenkian. Em 2011 foi distinguida com o Prémio Maestro Silva Pereira / Jovem Músico do Ano na 25a edição do Concurso Prémio Jovens Músicos da RDP, no qual recebeu o 1° Prémio em Violino - Nível Superior.

Estreou e gravou em 2016 com a Orquestra Metropolitana de Lisboa e o maestro Garry Walker o Concerto para Violino e Orquestra de António Pinho Vargas - obra escrita em memória ao seu professor Gareguin Aroutiounian.

São de destacar também as suas apresentações como solista com a Orquestra Gulbenkian, a Orquestra Sinfónica Portuguesa, a Orquestra Sinfónica da Casa da Música do Porto, a Orquestra Artquest, a Orquestra Clássica do Centro e a Orquestra Lviv Virtuosi da Orquestra Filarmónica de Lviv (Ucrânia).

Vive atualmente na Alemanha e é membro da Sinfonieorchester Aachen.

Hiyoli Togawa

Tudo começa com uma grande dose de curiosidade. Em criança, Hiyoli Togawa toca violino, mas não resiste à tentação de experimentar secretamente a valiosa viola antiga do pai, apesar de lhe ter sido dito, de forma explícita, para não o fazer. É assim que encontra o caminho para dar voz à sua vida.

Como jovem estudante, Hiyoli Togawa estuda primeiro com Rainer Moog e mais tarde com Antoine Tamestit. Com o Artemis Quartett adquire um conhecimento direto e abrangente do repertório para quarteto. Contudo, o seu mentor e professor mais importante será Hariolf Schlichtig.

Após os primeiros sucessos em concursos – entre outros, venceu o 1.º Prémio Nacional do “Jugend musiziert” – recebeu distinções em várias outras competições: no Internationaler Viola-Wettbewerb em Markneukirchen, no Internationaler Brahms-Wettbewerb em Pörtschach e, por diversas vezes, no “Musikinstrumentenfonds” da Deutsche Stiftung Musikleben.

Desde cedo, a curiosidade e a mente aberta têm sido os princípios orientadores da vida de Hiyoli Togawa. Crescida na Alemanha e com raízes japonesas e australianas, fala fluentemente as suas três “línguas maternas”: alemão, japonês e inglês. Construir pontes entre pessoas, culturas e arte, através de palavras e sons, é uma preocupação central para esta artista cosmopolita. Nos seus concertos, Hiyoli Togawa comunica com o público não apenas através da viola, mas também através de apresentações orais. Chegou mesmo a desenvolver novos formatos de concerto, colocando a música em contextos inovadores ao combiná-la com artes visuais, literatura, vídeo e dança. Um exemplo é “Brush and Bow – sobre tons de cor e cores de sons”, um programa para viola solo e instalação de vídeo com cores e pinceladas.

Hiyoli Togawa apresenta-se regularmente em concertos de música de câmara e recitais a solo pela Europa e Japão. Atua com artistas como Igor Levit, Jörg Widmann, Alexej Gerassimez ou Hariolf Schlichtig, sendo convidada habitual de prestigiados festivais como o Schleswig-Holstein Musikfestival, os Festspiele Mecklenburg-Vorpommern ou o Heidelberger Frühling.

Como solista, apresenta-se com formações como a Hamburg Camerata, a Nordic Chamber Orchestra, a Lahti Symphony Orchestra, a Lappeenranta City Orchestra, a Pori Sinfonietta, a Vogtland Philharmonie, a Philharmonie Bad Reichenhall e a Klassische Philharmonie Bonn. Várias fundações apoiam os projetos inovadores desta artista excecional, entre as quais: Oscar und Vera Ritter Stiftung, Orlandus Lassus Stiftung, Alfred-Töpfer-Stiftung, Werner Richard-Dr. Carl Dörken Stiftung e Live Music Now, de Yehudi Menuhin.

O som da viola de Hiyoli Togawa inspirou o prestigiado compositor finlandês Kalevi Aho a escrever uma obra magnífica para viola solo: “Solo XII – In memoriam EJR”. Em 2017, Hiyoli estreou esta composição – dedicada a si – e gravou-a para a editora sueca BIS, tal como o Concerto Duplo para Viola e Percussão, estreado e gravado com Alexej Gerassimez, Anja Bihlmaier e a Lahti Symphony Orchestra (lançamento previsto para o outono de 2024, BIS).

Durante a pandemia, Hiyoli Togawa encomendou a 11 compositores de todo o mundo (entre eles Kalevi Aho, Toshio Hosokawa e Tigran Mansurian) a escrita de peças para viola solo, que destilam em som a experiência global de isolamento vivida nos confinamentos. O álbum “Songs of Solitude” foi lançado em 2021 pela BIS e recebeu entusiásticos elogios da crítica.

O seu projeto discográfico mais recente centrou-se na situação das crianças. Mais uma vez, a jovem violista encomendou obras a compositores de todo o mundo, embarcando numa viagem musical pela infância. Treze composições foram escritas para o álbum “CHILDREN!” (2023, BIS), novamente alvo de grande aclamação crítica, incluindo aparições televisivas na 3Sat e na NDR.

Entre 2018 e 2022, Hiyoli Togawa lecionou na Hochschule für Musik und Theater, em Munique.

Paul Tulloch

Nascido em 1986 em Melbourne, Austrália, o violetista Paul Tulloch apresenta-se em variadas formações de música de câmara, apresentações a solo e compromissos orquestrais.

Paul é membro da Orquestra Sinfónica de Aachen, na Alemanha. Completou o curso Konzertexamen (Estudos Solo) com distinção sob a orientação de Diemut Poppen na Hochschule für Musik em Detmold, na Alemanha. Além disso, aperfeiçoou o seu desenvolvimento musical com vários violetistas de renome, como Matthias Maurer, Samuel Barsegian, Mario Gheorgiu e Tobias Lea.

Como músico de câmara apaixonado, tocou com músicos proeminentes como David Grimal, Gary Hoffman, Claire Desert e Diemut Poppen. Participou no Festival Lumières d'Europe, em Paris, e mantém parcerias de longa data em música de câmara com a violinista Tamila Kharambura, a pianista Anna Ulaieva e o violoncelista Fernando Costa. Em 2017, Paul co-fundou o Hortênsia Music Festival, festival anual que se realiza nos Açores, Portugal, com foco na música de câmara e educação musical através da apresentação de masterclasses e concertos.

Colaborou frequentemente com a ORF Radio-Symphonieorchester Wien e a Orquestra de Câmara de Viena (Áustria), a Orquestra Gulbenkian (Portugal) e a WDR Funkhausorchester (Alemanha).

Tendo realizado os seus estudos iniciais em violino, Paul recebeu o seu diploma de Licenciatura na sua cidade natal, na Universidade de Melbourne, sob a orientação de Nelli Shkolnikova, Robert Davidovici e Elizabeth Sellars. Obteve o seu curso de Mestrado com distinção pela Florida International University, EUA, onde estudou com Robert Davidovici e trabalhou como seu assistente. Depois de se mudar para a Europa, estudou com Ida Bieber na Universität für Musik und darstellende Kunst Graz, na Áustria.

Para além da sua atividade de instrumentista, Paul apresentou-se desde muito jovem como cantor em aclamados coros australianos como o St. Paul’s Cathedral Choir e o Trinity College Choir.

Shenghan Gao

Shenghan Gao nasceu em Pequim, China, e iniciou os seus estudos de violoncelo aos oito anos com a sua mãe, violoncelista da China Philharmonic Orchestra. Concluiu a licenciatura com o Prof. Stephan Forck e, posteriormente, o mestrado com o Prof. Troels Svane na Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlim, que terminou em 2016.

Desde 2019, prosseguiu os seus estudos na Hochschule für Musik Freiburg, onde concluiu o Konzertexamen com a classificação máxima de 1,0 e com distinção, sob a orientação da Prof.ª Elena Cheah e do Prof. Jean-Guihen Queyras.

Como solista, apresentou-se com a Brandenburgisches Staatsorchester Frankfurt, a Beijing Symphony Orchestra, a China Youth Philharmonic, a Orquestra da Hochschule Nürnberg e a Kammerphilharmonie Freiburg. Realizou ainda recitais na China, Canadá, Japão, Coreia do Sul e em diversos países europeus.

Adquiriu valiosa experiência orquestral como membro da Orchesterakademie da Staatskapelle Berlin – Staatsoper Unter den Linden, sob a direção musical de Daniel Barenboim. Foi também violoncelo solista adjunto da China NCPA Orchestra (National Centre for the Performing Arts) e da Mecklenburgische Staatskapelle Schwerin.

Desde 2024, é violoncelo solista adjunto da Orquestra Sinfónica de Aachen.

Sevak Avanesyan

Sevak Avanesyan é descrito como “um músico de extraordinário virtuosismo e uma notável variedade de capacidades sonoras” (Bernard Greenhouse) e “sem dúvida, um dos músicos mais talentosos da sua geração” (Janos Starker).

Nascido na Arménia em 1989, mudou-se para a Bélgica aos 13 anos, onde se tornou o mais jovem graduado do Conservatório Real de Bruxelas. Aos 19 anos formou-se com a mais alta distinção na classe de Viviane Spanoghe.

Em 2009 foi aceite na classe do aclamado violoncelista Claudio Bohorquez na Hanns Eisler Musikhochschule em Berlim.

Além de seus estudos regulares, Sevak Avanesyan recebeu conselhos preciosos de artistas mundialmente famosos como Janos Starker, Bernard Greenhouse, Steven Isserlis, Mischa Maisky, Maria Kliegel, Liuis Claret, Peter Bruns, Garry Hofman, Wolfgang Boettcher, Igor Oistrakh, Artemis Quartet, Gerhard Schulz e muitos outros.
Desde muito jovem tem feito digressões pela Europa, EUA, Canadá e Austrália como membro dos "Jovens Virtuosos" da AMAA.! Sevak ganhou muitos concursos internacionais, incluindo o primeiro prémio no concurso “Jovens Solistas” no Luxemburgo, o primeiro prémio no concurso europeu “Lions Club”, o prémio “Golden Lable” da associação belga de imprensa musical, o primeiro prémio do “Belgische Promoção Stichting Roeping”, e muitos mais.

Algumas de suas apresentações mais notáveis ​​foram em locais como a Filarmónica de Berlim, o Concertgebouw em Amsterdão, a Salle Gaveau em Paris, o Ford Hall em Toronto e a Sydney Opera House.

Participou em festivais notáveis como o Festival da Radio France em Montpellier, o Festival de Menton e o festival Brahms (Bruxelas), entre outros. Colaborou também com grandes maestros como Hanns Graf, Hugh Wolf, Andrei Boreyko e mais recentemente na estreia mundial de “DNA 15a15” composta por A.Irandian no Palais des Beaux Arts em Bruxelas, dirigida por George Pehlivanyan. O concerto foi descrito como o “melhor concerto da temporada” pelos críticos de televisão belgas.

Um fervoroso músico de câmara, Sevak Avanesyan colaborou com Augustin Dumay, Philippe Graffin, Pascal Devoyon, Pavel Gililov, Maxime Vengerov, Aleksei Moshkov e com muitos grandes músicos da geração mais jovem: Alexander Khramuchin, Lily Maisky, Julien Libeer, Alissa Margulis, seu irmão Hrachya Avanesyan e muitos outros.

Em 2016 foi estreado o documentário “Ritmos & Intervalos” de Gomes Schahbazyan, que retrata da vida de Sevak Avanesyan em Berlim durante o período de 2011 a 2013. O documentário já ganhou diversos festivais e será exibido na TV ARTR.

Sevak Avanesyan é ex-violoncelista solo da Orquestra Nacional da Bélgica, bem como membro regular do júri das competições musicais Ysaye, Triomphe de l’Art e AGBU.

Sevak toca no violoncelo “The King” Mateo Gofriller de 1689, que é o primeiro violoncelo Gofriller conhecido. Foi-lhe gentilmente cedido por Mischa Maisky.

Kyril Zlotnikov

Nascido em Minsk, Bielorrússia, numa família de músicos profissionais, Kyril Zlotnikov iniciou os seus estudos musicais na Academia Estatal de Música da Bielorrússia, sob a orientação de Vladimir Perlin. Prosseguiu a sua formação em Israel, estudando com Uzi Wiesel e Hillel Zori, e concluiu os seus estudos sob a direção de Michael Khomitzer na Academia Rubin de Música e Dança de Jerusalém.

Enquanto estudante, participou em masterclasses e cursos com músicos de renome como Isaac Stern, Yo-Yo Ma, Natalia Gutman, Boris Pergamenschikow, Aldo Parisot e György Kurtág. Recebeu uma bolsa da America-Israel Culture Foundation a partir de 1991 e foi distinguido com prémios em diversos concursos, entre os quais o Clairmont Competition, o Braun-Roger Siegl Competition e o Prémio Pierre Tarcali.
Kyril Zlotnikov é membro fundador do Jerusalem Quartet, conjunto reconhecido pela sua criatividade artística e interpretações dinâmicas. O quarteto apresentou-se extensivamente em todo o mundo e tornou-se o principal quarteto de cordas de Israel. Entre 2002 e 2020 gravou em exclusivo para a editora Harmonia Mundi e, desde 2022, grava para a BIS Records.

aralelamente à intensa atividade em música de câmara, Zlotnikov tem-se apresentado como solista com orquestras de renome internacional, como a Israel Philharmonic Orchestra, a Jerusalem Symphony Orchestra, a Ludwigsburg Symphony Orchestra, a Orquestra Gulbenkian, a West-Eastern Divan Orchestra e a Jerusalem Camerata. Colaborou com maestros de destaque, incluindo Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Lawrence Foster, Asher Fisch e Simone Young. O seu repertório abrange obras fundamentais para violoncelo desde o período barroco até à música contemporânea.

He is a frequent guest at major chamber music festivals including the BBC Proms, Verbier Festival, Vancouver Festival, Gstaad Menuhin Festival, Salzburg Festival, Rheingau Musik Festival, Ravinia Festival, Schleswig-Holstein Musik Festival, as well as the Jerusalem and Schwetzingen Festivals. He has shared the stage with artists such as Daniel Barenboim, András Schiff, Elisabeth Leonskaja, Pierre Boulez, Elena Bashkirova, Mitsuko Uchida, Natalia Gutman, Tabea Zimmermann, Miriam Fried, Michael Tree, Nikolaj Znaider, Lang Lang, Itamar Golan, and Martin Fröst.

É convidado regular de importantes festivais de música de câmara, como o Proms Festival, Verbier Festival, Vancouver, Gstaad, Salzburgo, Rheingau, Ravinia, Schleswig-Holstein, Jerusalém e Schwetzingen, entre outros. Partilhou o palco com alguns dos mais destacados artistas da atualidade, incluindo Daniel Barenboim, András Schiff, Elisabeth Leonskaja, Pierre Boulez, Elena Bashkirova, Mitsuko Uchida, Natalia Gutman, Tabea Zimmerman, Miriam Fried, Michael Tree, Asher Fisch, Nikolaj Znaider, Lang Lang, Itamar Golan e Martin Fröst.

Kyril Zlotnikov integrou igualmente júris de diversos concursos internacionais, entre os quais o ARD International Music Competition (Munique, 2016), o Melbourne International Chamber Music Competition (2018) e o Wigmore Hall International String Quartet Competition (2022). Entre 2001 e 2012, foi violoncelo principal e responsável pelo grupo de violoncelos da West-Eastern Divan Orchestra, sob a direção do Maestro Daniel Barenboim. Participou também regularmente em projetos e digressões especiais da Staatskapelle Berlin como violoncelo principal.

A sua discografia com o Jerusalem Quartet inclui, entre outras gravações, os Trios com piano completos de Mozart com o Maestro Daniel Barenboim e o violinista Nikolaj Znaider, editados pela EMI em abril de 2006. Desde 2020 é embaixador das cordas Jargar. Toca um violoncelo dos Irmãos Amati, construído em Cremona por volta de 1610, cedido por um fundo de beneficência.

Anna Ulaieva

A pianista ucraniano-austríaca Anna Ulaieva iniciou os seus estudos musicais aos 5 anos, recebendo aulas de violino e piano.

Depois de conquistar vários prémios em concursos para crianças sobredotadas em ambos os instrumentos até aos 11 anos, Anna escolheu o piano como instrumento principal e começou a estudar com a Prof. Nina Naiditsch na escola secundária “M.V. Lysenko” para crianças talentosas em Kiev (Ucrânia). Prosseguiu os seus estudos na “Tchaikovsky National Academy of Music” em Kiev, com Yuri Kot, onde se graduou com distinção. Como laureada do programa “New Names of Ukraine”, o seu excecional talento foi reconhecido com uma bolsa atribuída pelo Presidente da Ucrânia. A partir de 2009, concluiu os seus estudos de piano na Universidade de Música e Artes Performativas de Graz (Áustria) com a Prof. Milana Chernyavska, formando-se em 2017 com excelentes resultados.

Anna Ulaieva conquistou prémios em inúmeros concursos internacionais de renome. O seu maior sucesso até à data foi o 1.º Prémio no “Malta International Piano Competition 2018”. Mais de 720 pianistas de mais de 70 países competiram naquela que foi a maior série de concursos de sempre e com o maior prémio monetário da história. Outro marco na sua notável carreira foi receber um piano de cauda Blüthner como 1.º prémio ao vencer o Blüthner Golden Tone Award 2013.

Outros sucessos em concursos incluem: A. Scriabin Piano Competition Grosseto (2.º prémio, 2018), German Piano Open Berlim (1.º prémio, 2017), Brahms Klavierwettbewerb Detmold (1.º prémio, 2017), Isidor Bajic Piano Memorial Competition (2.º prémio, 2017), Blüthner Golden Tone Award (1.º prémio, 2013), Josef Dichler Piano Competition (1.º prémio, 2011), Jeune Talents (1.º prémio, 2011), bem como o Concurso Martha Debelli nas categorias piano solo e música de câmara (quarteto com piano) em Graz (1.º prémio em 2009, 2011, 2013).

Atualmente, é também jurada convidada em vários concursos internacionais de música, tendo recentemente integrado júris na Sérvia e na Ucrânia. Anna Ulaieva estreou-se a solo em Kiev em 2001 com a Orquestra Filarmónica da Ucrânia. Desde então, apresentou recitais a solo, concertos de câmara e com orquestra em todo o mundo, sendo presença frequente em diversos festivais. Atua regularmente com orquestras de renome, como a Orquestra de Câmara da Rádio da Baviera, Kiev Virtuosi Orchestra, Orquestra Sinfónica Nacional da Ucrânia, entre outras, sob a direção de maestros como Dmitry Jablonski e Kristjan Järvi. A sua gravação ao vivo de As Estações de Tchaikovsky e das sonatas de Prokofiev confirma as suas qualidades artísticas e pianísticas.

Anna Ulaieva é docente na Universidade de Música e Artes Performativas de Graz, onde dirige a classe de piano para jovens sobredotados e de preparação. É também professora convidada em masterclasses na Áustria, Portugal, França, China, República Checa e Ucrânia.

Uma das suas principais preocupações é o apoio ao desenvolvimento de crianças e jovens talentosos. Para isso, fundou a masterclass “Gifted in Music” em Kapfenberg da qual é diretora artística.

Matan Porat

Aclamado pelo New York Times pelo seu “som magnífico e amplitude de expressão”, o pianista e compositor Matan Porat tem atuado em salas de prestígio, como a Philharmonie em Berlim, Carnegie Hall, Wigmore Hall, Concertgebouw em Amesterdão, Auditorium du Louvre em Paris e Alte Oper em Frankfurt, e com orquestras como a Chicago Symphony Orchestra, Polish National Radio Symphony Orchestra, Israel Philharmonic, Sinfonia Varsovia, RTÉ National Symphony Orchestra, Geneva Camerata, SWR Symphonieorchester, Concerto Budapest, Helsinki Philharmonic e Hong Kong Sinfonietta, trabalhando com maestros como Pierre Boulez, Daniel Barenboim, András Keller, Susanna Mälkki, Ludovic Morlot, François-Xavier Roth e Ilan Volkov.

Conhecido pelos seus programas narrativos únicos, o repertório de Porat é vasto e variado, abrangendo desde as Partitas completas de Bach e Sonatas de Schubert até à Sonata Concord de Ives e o concerto para piano de Ligeti. O seu CD de estreia pela MIRARE, “Variations on a theme by Scarlatti” – um programa de 65 minutos com peças de Couperin a Boulez – foi elogiado como “um álbum fantástico que se deve ouvir repetidamente” pelo Frankfurter Allgemeine Zeitung. Os seus álbuns seguintes, “Lux”, um recital de peças em torno da luz, desde o amanhecer até ao anoitecer, e “Carnaval”, um recital em torno do Carnaval op. 9 de Schumann, receberam 5* nas revistas Diapason e Classica.

Matan Porat participou em muitos festivais aclamados, incluindo Marlboro, Lockenhaus, Ravinia, Verbier, Hohenems, Rheingau, La Folle Journée, La Roque d'Anthéron, Piano aux Jacobins e Musikfest Berlim. As suas apresentações de música de câmara incluem colaborações com o Quarteto Artemis, Quatuor Ysaÿe, Cuarteto Casals, Pacifica, Dover, Modigliani, Schumann e Quarteto de Jerusalém.

O seu amor pelas artes performativas levou-o a colaborar com o lendário diretor Peter Brook, em digressão com a sua produção de A Flauta Mágica de Mozart para piano solo e sete cantores; com o Ballett am Rhein na Opernhaus Düsseldorf e com o grupo de teatro musical Nico and the Navigators no Bozar e Konzerthaus Berlim. Porat também improvisa música ao vivo para filmes mudos, aclamado por Alex Ross do The New Yorker como “uma façanha impressionante de criatividade musical”.

Nascido em Tel Aviv, Matan Porat estudou com Emanuel Krasovsky, Maria João Pires e Murray Perahia, obtendo o seu mestrado na Juilliard School. Os seus professores de composição foram Ruben Seroussi e George Benjamin. As obras de Porat foram encomendadas e interpretadas por Nicolas Altstaedt, Avi Avital, David Greilsammer, Vladimir Jurowski, Kim Kashkashian, Maria João Pires, Andreas Scholl, Cuarteto Casals e Dover Quartet, bem como pelo Ensemble United Berlin e pela Orquestra Sinfónica de Jerusalém. Entre as suas obras estão duas óperas, quatro quartetos de cordas, um Requiem e um concerto para bandolim.

António Pinho Vargas

Compositor, músico e ensaísta. Licenciado em História, pela Faculdade de Letras da Universidade do Porto. Completou o Curso de Piano do Conservatório do Porto em 1987 e o Curso de Composição no Conservatório de Roterdão em 1990, onde estudou com Klaas de Vries como bolseiro da Fundação Gulbenkian entre 1987 e 1990. Professor Coordenador de Composição na Escola Superior de Música de Lisboa (1991-2019) e Investigador-colaborador do Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra.
 Em 1995 foi condecorado pelo Presidente da República Portuguesa com a Comenda da Ordem do Infante D. Henrique.

Em 2012 recebeu o Prémio Universidade de Coimbra pelo conjunto da sua obra e o Prémio José Afonso. Em 2014 recebeu o Prémio Autores pela sua obra Magnificat para Coro e Orquestra. Publicou os livros Sobre Música: ensaios, textos e entrevistas (Afrontamento, 2002) Cinco Conferências sobre a História da Música do Século XX (Culturgest, 2008) e a sua tese de doutoramento concluída em 2010: Música e Poder: para uma sociologia da ausência da música portuguesa no contexto europeu (Almedina, 2011).

Gravou 11 discos como pianista/compositor: Outros Lugares (1983) Cores e Aromas (1985) As folhas novas mudam de cor (1987) Os Jogos do Mundo (1989) Selos e Borboletas (1991) A Luz e a Escuridão (1996) os CD duplos Solo (2008) Solo II (2009) e Improvisações (2011). Requiem & Judas, Coro e Orquestra Gulbenkian, foi editado pela Naxos (2014) que reeditou nas plataformas digitais a ópera Os Dias Levantados, com libreto de Manuel Gusmão, 8 solistas, Coro do Teatro Nacional de São Carlos e a Orquestra Sinfónica Portuguesa, dir. João Paulo Santos e Verses and Nocturnes (2015). Monodia foi reeditado pela Warner e Magnificat | De Profundis (2017) Coro Gulbenkian e a Orquestra Metropolitana de Lisboa, dir. Cesário Costa; o Concerto para Violino, Tamila Kharambura, Orquestra Metropolitana de Lisboa dir. Garry Walker (2017) na MPMP e Lamentos, Orquestra Metropolitana de Lisboa, dir. Pedro Neves, Ana Pereira, violino, Joana Cipriano, viola, Artway Next (2023) vencedor do Prémio Play Melhor Álbum de Música Clássica/Erudita.

Compôs 4 óperas, 5 oratórias, 14 peças para orquestra, 9 obras para ensemble, 26 obras de música de câmara, 11 obras para solistas e música para 5 filmes.

Entre as suas obras mais recentes incluem-se: Requiem (2012), Magnificat (2013), De Profundis (2014), Concerto para Violino (2015), Concerto para Viola (2016), Memorial (2018), Sinfonia (subjetiva) (2019), Oscuro (2022), Collections & translations (...varianti...) (2024) e Notebooks (2024).